«Artista (quello vero e geniale) è chi riesce a esprimere e vedere cose che ancora non esistono o non sono state immaginate… Chi crea, elabora, realizza e sa comunicare il proprio mondo immaginifico. Chi cerca e si entusiasma.»

Daria Palotti, nata a Pontedera, diplomata all’Accademia delle Belle Arti fiorentina in scenografia. Raccontaci la tua passione per il teatro, com’è nata?

La passione per il teatro è inevitabile se ti piace leggere, cantare, parlare, dipingere, ascoltare storie e commuoverti.

Questa mostra nasce come una ricerca di contatto fra l’arte contemporanea e il mondo del teatro, è un tentativo di un dialogo più profondo fra linguaggi espressivi diversi. Racconta le tue sensazioni in merito a questa nuova esperienza, che coniuga insieme due tue grandi passioni.

Il teatro è un gran contenitore d’arte…Trovo il teatro un “luogo” molto naturale per far incontrare le diverse arti.

Nei tuoi quasi dieci anni d’intensa attività lavorativa hai fatto formazione lavorando come insegnante di pittura, di arte applicate, di teatro e di arti circensi. Che significa per te lavorare per la formazione di persone giovani?

Lavorare con i bimbi richiede  molta  energia, attenzione ed é banalmente molto bello. L’essere “presenti” ed empatici è fondamentale e molto impegnativo .

Raccontaci del tuo percorso formativo d’illustratrice e delle tue prime importanti realizzazioni.

Ho seguito vari corsi con illustratori molto bravi e preparati, ho imparato molto tecnicamente e umanamente. Ho avuto modo di illustrare sei libri, ma vorrei migliorare. Sogno  d’illustrare, prima o poi, un libro scritto da me.

Negli ultimi anni hai riscoperto la pittura. Ha preso un posto importante fra i vari modi in cui esprimi la tua creatività?

Negli ultimi tempi ho ripreso a praticare la pittura. È difficile portare avanti profondamente  e contemporaneamente i vari modi di far arte. Quando facevo molta ceramica, difficilmente dipingevo se non con colori ceramici, e così è stato quando mi sono dedicata maggiormente all’ illustrazione. Diciamo che negli ultimi tempi sto cercando di fare tutto, e quindi anche dipingere… e fare sculture…

Keane sei senza ombra di dubbio un figura fondamentale per l’arte e per la cultura del comune di Barga, hai dimostrato molte e molte altre volte ancora che non tutto è come semplicemente ci appare. Come definiresti il tuo lavoro artistico?

Se devo dare una definizione, “community artist” è la parola che mi descrive meglio: io lavoro nella comunità. Non credo che l’artista sia colui che lavora in studio e infine espone i suoi quadri. Secondo me gli artisti hanno una responsabilità: lavorare in base alla cultura e non secondo le conoscenze accademiche. Invece di guardare avanti, io guardo la periferia perché quello che abbiamo di fronte agli occhi dopo un po’ diventa invisibile. Quello che invece accade ai margini è molto più interessante: in inglese si chiama “lateral vision” e da questo scaturisce il “lateral thinking”. Intendo quanto teorizzato da Edward De Bono, parlo del pensiero divergente, il pensare creativo.

Sei irlandese di nascita ma naturalizzato barghigiano: che cosa ti ha colpito maggiormente per farti decidere di fermarti nella nostra terra?

Ho girato un bel po’ di mondo e sinceramente ho trovato posti più affascinanti e con maggiori possibilità che questo. Però per qualche ragione qui mi sono sentito a casa e ancora ora mi sento a casa, tra persone che formano una comunità vera, vibrante. Dove la gente ha tempo, e questa è la cosa più importante per me: gli scambi, le connessioni che ogni giorno si verificano tra le persone.
Mi sento fortunato ed è una sensazione che provo da anni.

Guardando ogni tua opera pittorica, pur con soggetti diversi, notiamo non solo la mano da pittore esperto quale sei, ma soprattutto il punto di vista con cui presenti i soggetti. Come se esistessero degli elementi che ritornano frequentemente in ciò che proponi. Quali sono le componenti che formulano la tua arte?

Ai tempi dell’università ho assistito ad una lezione sulla percezione. Il relatore parlava davanti ad una diapositiva proiettata dietro di lui. Non ricordo niente di quella lezione, se non che, ad un certo punto, il relatore ha estratto una pistola a salve ed ha sparato in aria, poi ha continuato a parlare per altri 30 secondi. Infine ci ha detto: «In questo modo ho cambiato la vostra percezione per sempre. Ogni volta che vi troverete in un’aula non potrete più non pensare che qualcuno potrebbe di nuovo esplodere un colpo di pistola». Aveva cambiato la nostra percezione dello stare in un’aula.
Parte del mio lavoro è quindi produrre un “frisson”, un brivido di mezzo secondo che in quel momento ti fa rendere conto di dove sei. È come un reset, ti fa cambiare idea.

Quanto sono importanti per la tua arte le tecniche tradizionali e quelle contemporanee?

Il mondo è pieno di cose belle. Perché farne altre? Si fanno quadri per comunicare o per sentirsi meglio dopo? Non mi interessa se la tecnica è contemporanea o tradizionale. Uso ogni mezzo che ho a disposizione. A Londra, negli anni Ottanta facevo quadri astratti di 5 x 3 metri e usavo scope come pennelli.
Ma è inutile fare quadri di queste dimensioni in Italia: non esistono case con pareti così grandi e possono essere custoditi solo in gallerie con spazi enormi. La prima cosa che penso quando realizzo un quadro è: con chi voglio parlare? Qual è il mio “pubblico”? Quando trovo questa risposta scelgo il medium più adatto e allora può essere carboncino, tempera a olio o addirittura la scultura, ma anche web design o la fotografia.

Qual è il tuo rapporto con il teatro? C’è una rappresentazione teatrale che ricordi con piacere?

Ho avuto un lungo rapporto col teatro ed il legame con esso è esclusivamente di cuore. Negli anni Settanta vivevo a 30 miglia da Stratford Upon Avon, città natale di Shakespeare; in città c’erano due teatri ed uno di questi si chiamava The Other Place: un “black room theatre”, una stanza nera e spoglia dove veniva recitato uno Shakespeare all’avanguardia. Questo posto era anche chiamato “theatre in the round” perché gli attori recitavano assieme al pubblico, senza scenografie. Questo esperimento è durato 10 o 15 anni, e in quegli anni Shakespeare era rappresentato ad altissimo livello sperimentale.

Andavo spesso lì, ma ho perso i primi 5 minuti di ogni performance perché non potevo pagare il biglietto di entrata. Solo dopo l’inizio dello spettacolo, infatti, era permesso di entrare ai chi aspettava fuori.
Inoltre, durante gli anni dell’università, quando studiavo belle arti, mi sono avvicinato al teatro di strada e nell’ultimo anno di studi ho imparato a fare il mangiafuoco e il giocoliere, a fare giochi di prestigio, ad usare i trampoli e a camminare sulla fune. Dopo la laurea ho acquistato una vecchia ambulanza ad un’asta a Londra e con due musicisti e tre clown ho girato l’Europa facendo teatro di strada in Olanda, Spagna, Francia.

Infine ho lavorato con Opera Barga e sono stato aiuto macchinista per il Teatro dei Differenti per 4 o 5 anni.
Chiodi e corde: a quel tempo tutto era tenuto insieme con questi due elementi. Ma è una tecnica, anzi una professione che adesso è scomparsa. Le scenografie di oggi sono allestite con ferro, viti e cacciaviti e spesso sono integrate da proiezioni.

Per questo sono fiero di aver lavorato come macchinista teatrale. Uno dei posti più belli di Barga che pochi conoscono è proprio la graticcia del Teatro dei Differenti. Il portachiavi del mio studio è un rocchetto del nostro teatro: anni fa mentre lavoravo in alto spora il palco, questo pezzo di legno è caduto dalla graticcia. Se sotto ci fosse stato qualcuno avrebbe potuto ucciderlo; l’ho conservato proprio per ricordarmi cosa sarebbe potuto accadere.

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Alessandro Giorgetti, 29 anni. Vivi e lavori ad Antraccoli in una casa-studio. Qual è l’influenza esercitata da Lucca nella tua ispirazione artistica?

Più che la città in se stessa, è il rapporto che corre tra la natura, l’architettura e la storia, che mi emoziona ed in parte m’ispira.

L’amore per l’arte ti è stato trasmesso da qualcuno o è scaturito da una tua ricerca personale?

L’amore per l’arte è sempre stato presente, fin da piccolo. È uno degli aspetti più forti della mia vita.

Hai frequentato il Liceo Artistico Statale di Lucca. C’è un lavoro di quei tempi che ricordi con particolare affetto?

Gli anni del liceo sono stati fondamentali nella scelta che oggi cerco di portar avanti al meglio, sono stati l’inizio d’un percorso.

Ti sei laureato all’Accademia delle Belle Arti di Firenze con una tesi sull’artista della corrente informale Gastone Novelli. Quale sono gli aspetti che ciascuno di noi dovrebbe conoscere di questo artista?

È stato un artista che ha espresso un nuovo modo, molto personale, di fare arte ed è riuscito ad unire la scrittura con il colore, la linea con i simboli, tra il passato e il suo presente.

Qual è il tuo rapporto con il teatro? C’è una rappresentazione teatrale che ricordi con piacere?

Amo molto il teatro, anche se non ho più un rapporto diretto con esso, l’opera di Rossini Il barbiere di Siviglia ed il Gianni Schicchi pucciniano sono le rappresentazioni che ricordo con grande piacere.

La piece che Isabella Ragonese porta a Barga è liberamente tratta da Orlando della Wolf.  “Orlando”, intuizione geniale della Woolf, figlia diretta di Shakespeare, è l’unico eroe moderno che racchiude in sè la parte maschile e quella femminile di noi tutti. Con grande senso del comico, con ironia intelligente e invenzioni originalissime, Virginia mette in scena il desiderio che alberga in ciascuno di noi, uomini e donne, di far coincidere aspirazioni e sentimenti, innocenza e maturità, senza mai perdere il piacere per la vita. E questa messa in scena, curata come la drammaturgia da Emanuela Giordano, mira a riportare Orlando alla sua veste naturale di Commedia, di grande vivacissimo gioco, per esaltarne l’intreccio, l’acutezza della parola, la sua musicalità.
Completano lo spettacolo un gruppo d’archi che esegue dal vivo il “tema musicale” di Orlando. Compito delle scene è di condurci nell’alcova di Orlando, in una cripta, a Costantinopoli, in una sala imbandita. I costumi, che si ispirano ad una compagnia circense di fine Ottocento, sono capaci di evocare il fascino di un’epoca.

Info prevendita ticket: Ufficio Cultura Comune di Barga. Tel 0583724791; cultura@comunedibarga.it
Facebook: Teatro dei Differenti Barga
Sito: www.comune.barga.lu.it

Federica Filippelli, sei nata in Svizzera ma sei vissuta a Lucca. Dopo un triennio all’Accademia fiorentina di Belle Arti in Pittura, stai frequentando il biennio sperimentale in “Arti visive e nuovi linguaggi espressivi”. In cosa consiste questo nuovo corso?

È un corso che affronta e analizza i nuovi linguaggi espressivi nel contemporaneo; dopo anni di pittura in qualche modo “tradizionale” non escludo di approcciarmi a qualche nuova sperimentazione con mezzi diversi, sia materiali nuovi che tecnologie. L’accademia è un po’ un punto di ritrovo per chi sente questo tipo di fermento.

Hai all’attivo dodici anni d’esposizioni delle tue opere. In questa tua lunga esperienza c’è una realizzazione di una personale o la partecipazione ad una collettiva che ricordi con particolare piacere?

Tutte le mostre sono un ricordo piacevole, perché si perfezionano dopo una gestazione più o meno complessa e sofferta. In particolar modo ricordo molto volentieri la collettiva Punti di Vista nel 2002: fu una sorta di “occupazione autorizzata” di un palazzo pubblico, una mostra che definirei atipica e unica, proprio perché occupava gli spazi che non sono solitamente destinati a spazio espositivo. Le aree “occupate” del palazzo Ducale, sede della provincia di Lucca, erano molte: il cortile, i loggiati e perfino l’ingresso.

Nei tuoi quadri spesso ritrai dei fulmini. Da dove nasce questa tua “passione” per questo soggetto?

Nasce inizialmente come ammirazione della spettacolarità del fenomeno: i temporali sono effettivamente straordinari squarci di luce, altissime concentrazioni d’ energia elettrica che durano solo un istante, hic et nunc. Più avanti nei miei lavori, il fulmine, accompagnato a tempeste, tsunami e altri disastri, si arricchisce di un significato ambientalista: la natura ci ricorda la sua supremazia sull’umanità e, soprattutto, ci impone di rispettarla, pena le catastrofi ambientali che sempre più sovente ci devastano. Da qui i volti o gli occhi che si intravedono nei cieli tumultuosi, dove i fulmini diventano lacrime di fuoco, vogliono essere una sorta di richiamo all’ordine, come manifestazione di dissenso verso un’umanità poco rispettosa della natura.

Un altro tuo filone è la rappresentazione di paesaggi urbani di vario tipo. La dimensione del viaggio allo scoperta di città e di culture per te è fonte d’ispirazione?

Senza dubbio il viaggio è una grandissima fonte d’ ispirazione, soprattutto la scoperta di ambienti diversissimi dal nostro come le architetture e i paesaggi americani, molto spesso da me rappresentati.

Raccontaci il tuo rapporto con il teatro o la tua partecipazione ad una rappresentazione teatrale che ricordi con piacere.

Qualche anno fa, nel 2006-2007, ho partecipato attivamente alla realizzazione di uno spettacolo, contribuendo alle scenografie (fondali e arredi) per una giovanissima compagnia amatoriale. Si trattava del musical Se il tempo fosse un gambero della storica coppia Garinei – Giovannini. Fu un’esperienza molto divertente, da cui ho appreso tantissimi aspetti del teatro che, chi non è mai stato dietro le quinte, non può nemmeno immaginare.

Paola Fanucchi, 33 anni, illustratrice, diplomata presso la scuola internazionale di comics fiorentina. Come hai scoperto questa vocazione così particolare?

Ad essere sincera non c’è mai stato un momento in cui mi sono detta: “ecco ho trovato la mia vocazione!”. Semplicemente fin da piccola, prima ancora di usare le penne per scrivere, le usavo per impiastricciare libri, fogli e tutto quello che mi capitava sotto mano. Poi ho scoperto i colori, la matite e i pennarelli e da quel momento non mi sono mai fermata! Alla fine continuare a disegnare o colorare è stata una cosa naturale, non ho mai smesso. I miei studi artistici, alla fine, sono stati una naturale conseguenza di ciò.

Sei reduce da Lucca Comics, dove per la prima volta ti sei cimentata con il mondo del fumetto. Quali emozioni ti ha lasciato questa esperienza?

Effettivamente, quest’anno ho fatto “il salto”! Dalla sezione dedicata all’infanzia (Lucca Junior) sono passata alla sezione Comics.
La mia produzione di questo ultimo anno si è un po’ discostata dalla classica illustrazione per bambini, quindi passare dal Lucca Junior al Lucca Comics è stata una cosa abbastanza naturale.
E’ stata una bella sfida alla fine. Era la prima volta che mi cimentavo con la lavorazione di un fumetto e la cosa mi ha entusiasmato. Di strada da fare ce n’è ancora tantissima, ma come prima esperienza direi che sono abbastanza soddisfatta, anche se ci sono da affinare ancora un po’ di cose…

Hai dato il tuo contributo per Pray for Japan, asta di beneficenza realizzata a Los Angeles. Di che cosa si tratta? In che modo hai partecipato?

Pray for Japan è stata concepita dalla società Sweet Steet in collaborazione con la galleria d’arte Japan L.A., entrambe di Los Angeles.
L’iniziativa prevedeva l’organizzazione di un’asta di beneficenza, di cui i proventi sono stati devoluti alla Croce Rossa Internazionale per l’emergenza tsunami chelo scorso marzo ha devastato il Giappone.
L’evento è stato pubblicizzato su Facebook, è così che ne sono venuta a conoscenza. Mi sono fatta coraggio ed ho quindi contattato direttamente gli organizzatori che molto carinamente mi hanno risposto subito.
Hanno dato un’occhiata ai miei lavori e dato il via libera alla mia partecipazione (con me hanno partecipato altri  illustratori francesi, svedesi, inglesi ed americani di tutto rispetto che già conoscevo). Ho spedito in tutto tre illustrazioni, una delle quali è stata venduta subito.
Da sempre sono stata affascinata dal mondo nipponico, a partire dai vecchi cartoni animati fino alla cultura, alla tradizione. Provare a far parte di quell’iniziativa mi sembrava il minimo.

Hai frequentato anche corsi d’animazione 3D. Qual è l’animazione italiana o internazionale che preferisci? C’è un film o uno stile che ti ha ispirato particolarmente?

Ho frequentato sia corsi di 2D che 3D, ma rimango sempre innamorata del 2D in assoluto. Adoro quella sensazione di “sporco” ed “imperfetto” (se di “imperfetto” si può parlare) dei vecchi cartoni Disney come “La carica dei 101” o gli “Aristogatti” o ancora “La Spada nella Roccia”.
Evidentemente ho un’anima vintage e prediligo in assoluto le vecchie glorie. Uno dei miei film preferiti è “Alice nel Paese delle Meraviglie”, ma non disdegno i più moderni “Le follie dell’Imperatore”.
Ho sempre guardato tutto, e da piccola (o in ogni caso all’inizio dei miei studi) adoravo lo stile giapponese. Adesso, invece, da un bel po’ di anni apprezzo molto anche altri tipi di animazione, come quella francese. “Appuntamento a Belleville” ne è un esempio.

Raccontaci il tuo rapporto con il teatro o la tua partecipazione ad una rappresentazione teatrale che ricordi con piacere.

Il mio rapporto con il teatro non è mai stato costante, purtroppo. Tuttavia mi piace come forma d’arte e credo che un vero attore lo si riconosca nel momento in cui riesce ad esprimersi davanti ad una platea fatta di persone, in carne ed ossa.
Alla fine credo che l’illustrazione ed il teatro, ma tutte le forme d’arte in genere, non siano altro che mezzi attraverso i quali si ambisce a trasmettere un qualcosa. Nel momento in cui il messaggio dell’artista arriva allo spettatore (sia esso di fronte ad un quadro o in platea a teatro), egli ha raggiunto il suo scopo. I mezzi possono essere i più disparati, ma l’artista devo essere capace di trasmettere emozioni come la commozione, l’amore, lo struggimento, l’ira, la tristezza, l’ironia e il divertimento.

(more on www.paolafanucchi.com)

Si tratta di un’installazione visiva multimediale che si sviluppa attraverso l’interazione di diversi codici espressivi con trentacinque oli su tela di dimensioni 60cm per 80cm, due televisioni anni Sessanta che trasmettono un segnale in bianco e una filo diffusione che emette una traccia audio creata appositamente (e in concomitanza con la creazione dei dipinti) da Gian Marco Marseglia.

listen to ‘death of tv soundtrack’ on Audioboo

In questa mostra viene indagata la natura delle componenti di uno strumento a tutti ben noto, ma che col passare del tempo si è evoluto per cambiare radicalmente, nella sua forma fisica ma anche nella sua tecnologia.

Ed è proprio questo il punto nevralgico che Keane ha voluto sottolineare proponendoci questo suo lavoro.

Il passaggio dal segnale televisivo analogico al segnale digitale terrestre porta con se quindi la conseguenza di far morire, metaforicamente parlando, la televisione per come era stata conosciuta fino ad adesso.

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Le tele presentate nella sala dell’Albo del Pretorio affrontano intelligentemente e scrupolosamente gli attori principali di questa tecnologia, infatti ci troviamo di fronte a immagini di transistor, di microchip, di circuiti stampati che indagati come sotto una lente di ingrandimento vengono riproposti in grande dimensione, decontestualizzati perciò dal loro consueto ambito e elevati ad elementi simbolo.

Il  tutto  accompagnato da una colonna sonora creata in digitale, come se si volesse  rappresentare un passaggio di testimone tra le due tecnologie.

Da uno strumento, o per meglio dire da una tecnologia, che negli ultimi sessanta anni ha contribuito nel bene e nel male alla divulgazione di informazioni, di cultura e di intrattenimento, i transistor si trasformano in soggetto, in icone di un processo di meta linguaggio, in cui gli strumenti diventano contenuto se osservati sotto un altro punto di vista.

Infatti guardando queste opere ci troviamo davanti a grandi dipinti che parlano si di oggetti, ma che facilmente sono associabili  ad  immagini che potrebbero essere state  parte di documentari del National Geografic, come carovane di beduini nel deserto o addirittura templi Maya visti dall’alto, o come mappe topografiche di città  che analizzano uno spazio dissociandolo iconograficamente dal suo significato originario.

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immagini liberamente tratte da Wikimedia Commons

Questi dipinti ci introducono quindi in un percorso fisico e concettuale che ci avvolge e ci accompagna in tutta la sala dell’atrio di palazzo Pancrazzi, facendoci capire che nulla cessa mai veramente di esistere, ma che in realtà tutto può assumere un altro significato se osservato in modo nuovo.

La Compagnia Katzenmacher porta scena “Requie a l’anema soja” Il cilindro – I morti non fanno paura, Dua atti unici di Eduardo De Filippo per la regia di Alfonso Santagata
con Rossana Gay, Massimiliano Poli, Johnny Lodi, Antonio Alveario, Alfonso Santagata. Paradossi, sotterfugi, espedienti e la morte per farsa, sono i filoni principali attorno a cui si dipanano le vicende delle brevi ed esilaranti Cantate eduardiane portate in scena da uno dei protagonisti della scena teatrale italiana. I due brani saranno sicuramente oggetto di nuova attenzione sul teatro di Eduardo dopo la realizzazione, felice per gli esiti, di Quali fantasmi (tre atti unici) e di Le voci di dentro. Il gioco in questo caso ruota attorno a due decessi, per finta e per il vero, che si realizzano in un ambiente per solito dimesso in cui personaggi di fiera povertà imbastiscono trame ai limiti del sospettabile per l’esercizio quotidiano della sopravvivenza.
Un po’ seguendo il filo delle invenzioni drammaturgiche, per altro esaltandone le precipue situazioni comiche, il grottesco e la farsa macabra segneranno un nuovo incontro con Eduardo.

Isabella Ragonese, giovane e già affermata attrice con candidature e vittorie di prestigiosi premi del cinema italiano, lanciatissima al cinema e shooting star (miglior talento europeo dell’anno) al prossimo Festival di Berlino porterà in scena al Differenti di Barga “La commedia di Orlando”. Uno spettacolo nuovissimo che ha debuttato meno di un mese fa. La piece è liberamente tratta da Orlando della Wolf.  “Orlando”, intuizione geniale della Woolf, figlia diretta di Shakespeare, è l’unico eroe moderno che racchiude in sè la parte maschile e quella femminile di noi tutti. Con grande senso del comico, con ironia intelligente e invenzioni originalissime, Virginia mette in scena il desiderio che alberga in ciascuno di noi, uomini e donne, di far coincidere aspirazioni e sentimenti, innocenza e maturità, senza mai perdere il piacere per la vita. E questa messa in scena, curata come la drammaturgia da Emanuela Giordano, mira a riportare Orlando alla sua veste naturale di Commedia, di grande vivacissimo gioco, per esaltarne l’intreccio, l’acutezza della parola, la sua musicalità.
Completano lo spettacolo un gruppo d’archi che esegue dal vivo il “tema musicale” di Orlando. Compito delle scene è di condurci nell’alcova di Orlando, in una cripta, a Costantinopoli, in una sala imbandita. I costumi, che si ispirano ad una compagnia circense di fine Ottocento, sono capaci di evocare il fascino di un’epoca.

 

Info prevendita ticket: Ufficio Cultura Comune di Barga. Tel 0583724791; cultura@comunedibarga.it
Facebook: Teatro dei Differenti Barga
Sito: www.comune.barga.lu.it

Lo spazio in questione è l’ingresso di Palazzo Pancrazi, sede comunale, che sta per cambiare ruolo nella vita della cittadina. Per secoli è stato infatti il luogo deputato all’affissione di atti pubblici e comunicazioni del Sindaco e della giunta, fungendo come spazio comune dove amministrazione e cittadini potevano incontrarsi; adesso che tutto viene pubblicato sul web, tramite un albo pretorio virtuale, quest’area può essere dedicata ad un nuovo tipo di comunicazione.

Una comunicazione creativa e artistica, che regalerà anche magnifici contrasti tra la sobrietà e l’imponenza delle volte e degli affreschi e le opere d’arte contemporanea che si avvicenderanno in questo nuovo spazio espositivo, dotato anche di un bel  vantaggio: un grande portone sempre aperto che è un ottimo invito ad entrare senza creare soggezione.
A sperimentare il nuovo ruolo di Palazzo Pancrazi è stato Keane, che forse per primo ha intuito la potenzialità di questo spazio, usato fino ad oggi come luogo di servizio e che, grazie alla sua mostra The Death of Analogue Television, ha aperto una nuova epoca di mostre e installazioni nel Castello.

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Artisti di diverse estrazioni si succederanno durante l’anno secondo un calendario che prevede anche la collaborazione e la professionalità dello stesso Keane, di Lucia Morelli e Nicola Salotti di Venti d’Arte, del gruppo Inspired by Barga e da Giorgia Madiai, che sapranno portare a Barga professionisti  di livello nel campo dell’arte.
Soddisfatto di questa iniziativa anche il sindaco Marco Bonini, che questa mattina, assieme all’assessore alla cultura Giovanna Stefani ha presentato la nuova destinazione dell’atrio e tagliato il nastro della prima installazione.

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Una mostra più che mai attuale, dato che consacra la vecchia televisione, quella che – dal momento dello switch off, avvenuto a novembre scorso – non esiste più.
Keane ha smontato almeno venti apparecchi e da ognuno ha estratto le componenti essenziali, quei pezzi che non abbiamo mai visto ma che per anni sono stati per noi compagni fedeli: circuiti, transistor, resistenze, che ha poi ingrandito sulla tela dando loro una nuova identità, rendendoli quasi animati, come fossero davvero personaggi della nostra esperienza televisiva e di vita.

Le tele pendono dal soffitto specularmente, creando un percorso di andata e ritorno tra le immagini di trasformatori giganti che sembrano templi, gruppi di transistor che sembrano animali in transumanza, circuiti stampati che sembrano città viste dal cielo.

L’esperienza di questo percorso è arricchita dalla musica di Gian Marco Marseglia, che ha composto le melodie lavorando in stretto contato con Keane, cucendo su misura suoni elettronici che variano poi verso il tema di una delle più famose trasmissioni di documentari. La musica, che non invade lo spazio della mostra ma semplicemente lo completa, è diffusa attraverso vecchie casse di televisori, anch’esse appese al soffitto. Sui lati dell’atrio due vecchi televisori accesi ma senza più niente da dire, ci ricordano il destino dei soggetti dipinti. – more images here

Francesco Cosimini, giovanissimo, ti dividi fra la città di Firenze dove studi arte e beni culturali e la Media Valle dove lavori per il giornale “Il nuovo Corriere di Lucca”. C’è una dialettica, una relazione fra questi due aspetti della tua vita professionale?

Sì, vivo a cavallo tra la Media Valle, dove sono nato, dove risiedono la mia famiglia e gli amici e che, da poco, è anche diventata teatro della mia avventura giornalistica. Firenze è il luogo dove sono cresciuto intellettualmente e umanamente. La città, la ricchezza artistica onnipresente, gli odori, le sue mille persone per le strade, le tantissime storie, mi hanno insegnato ad arrangiarmi da solo, ma soprattutto a non soffermarmi mai sul visibile, sul primo dato e di approfondire sempre. Quest’ultimo aspetto vale soprattutto per la ricerca in storia dell’arte dove non bisogna mai bloccarsi al dato estetico (soggettivo, dato che un’opera può piacere o meno), ma andare oltre l’opera e vedere ciò che l’artista ha voluto esprimere e soprattutto comunicare secondo quel concetto che ogni opera d’arte è equiparabile a un libro e quindi mai soffermarsi sulla copertina, ma aprirlo e scoprire cos’ha da raccontare.

Oltre all’arte e la scrittura sei affascinato anche dal mondo della fotografia, racconta questa tua passione.

Nonostante non sia un grande amante della tecnologia, ho scoperto la fotografia digitale come realizzazione perfetta e precisa della realtà attraverso un mezzo meccanico. Tutto è nato per la mia incapacità di rappresentare i paesaggi, a differenza di quelli umani che da sempre mi hanno affascinato. È poi diventata il tramite per rendere grande un dettaglio e farlo assurgere a elemento narrante. Certamente la fotografia è un supporto alla realizzazione della mia pittura e da quest’ultima essa trova la forza di nascere. Dico sempre che la fotografia è quell’arte legata alla fortuna.

L’iniziativa d’inserire all’interno degli ambienti del teatro opere d’arte contemporanee di giovani artisti è il tentativo di stabilire una connessione, una sinergia fra varie “arti differenti”. Credi che questo sia un cammino percorribile per il futuro nel territorio barghigiano?

Leggevo in questi giorni su “GQ” un articolo di Gianluigi Ricuperati, intitolato “Alveare della cultura”, dove viene esaminato “All. We. Are”. Brevemente tale concetto viene sintetizzato come un alveare, dove ogni cella esagonale è collegata alle altre e così ogni mente umana deve essere collegata affinché ognuna porti alla conoscenza di un’altra.
Semplicità e grande astuzia stanno alla base di questa teoria che condivido pienamente e spero diventi abitudine nel territorio barghigiano come in altri. Accostare le varie arti, coi loro svariati linguaggi, provoca un indiscusso dibattito fra artisti, critici e operatori culturali, ma soprattutto è monito di una comunità viva e che sa apprezzare il dato bello e sensibile. Basta pensare alla “Factory” di Warhol come officina di linguaggi diversi oppure ad altri momenti della storia dove arte, artigianato ed altri mezzi espressivi hanno concorso all’unificazione del linguaggio con lo scopo principale di arrivare al maggior numero d’utenti. Mi piace sempre pensare a prodotti poliedrici, poliglotti e a stretto contatto con la realtà circostante evitando di cadere nell’oblio. Sono fortemente convinto che il confronto e lo scambio di idee in maniera interdisciplinare porterà a grandi progetti futuri.

Hai dichiarato: «Questa è la prima volta che espongo un’opera che contiene un parte scritta». Trovi che questa sperimentazione sia l’inizio di una strada che percorrerai a lungo?

Io vomito sulle tele me stesso senza un senso logico né un fine. Dipingo per me. Ultimamente ho scritto qualcosa a fianco dei miei disegni, ma perché mi andava in quel preciso momento. Io credo che un artista ha l’obbligo di sperimentare sempre, ogni opera deve essere non il traguardo di una vita, ma di un momento. Seguire le proprie emozioni, il proprio istinto senza aver paura d’esser giudicato da qualcuno.
Se l’artista o il poeta si sofferma su un filone del suo operare ecco che lì trova la sua morte intellettuale. Io non sono un artista, ma un amante dei pennelli e dei colori. Ci sta che un giorno questo gioco finirà e magari non ne sentirò la mancanza. I veri artisti quando non vengono ascoltati o capiti hanno un grande senso di frustrazione, magari io lo proverò quando non riuscirò più a capire me stesso.

Raccontaci il tuo rapporto con il teatro o la tua partecipazione ad una rappresentazione teatrale che ricordi con piacere.

Il teatro non è che l’abbia frequentato molto nella mia vita. Ricordo sempre con grande piacere, anche perché fa parte del filone del cosiddetto “teatro dell’assurdo”, l’opera di Beckett “Aspettando Godot”.

Margherita Cagnoni, vivi e lavori in Toscana ma sei nata in Canada a Yellowknife. Dopo l’Istituto d’arte, frequentato a Cascina, ti sei interessata di ceramica. Raccontaci com’è nata questa passione.

Sono nata in Canada ma ho vissuto quasi da sempre in un piccolo paese vicino Pisa, dove la ceramica, in tempi ormai lontani, era fonte di vita per innumerevoli famiglie. Il mio paese è costellato ancora di vecchie fornaci, alcune ormai abbandonate, ma fra le tante ho avuto la fortuna di conoscere un grande maestro, Osvaldo Giani. Con il suo fare simpatico e burbero mi ha insegnato e trasmesso l’amore per la creta, cosicché poi successivamente ho seguito un corso a Montelupo Fiorentino. La cosa che mi affascina di più della ceramica è il fatto che i colori si trasformano in cottura in maniera imprevedibile: fino al momento che non vedi il prodotto finito non sai mai cosa effettivamente hai creato. Questa metamorfosi mi pare una vera e propria forma di magia.

Nella tua vita professionale, ti sei occupata di grafica pubblicitaria, decorazioni per pezzi unici d’arredamento, fino ad arrivare alla pittura. Hai dimostrato ecletticità e la volontà di sperimentarti in campi in cui si mette in gioco la creatività, ma in maniera diversa. Ti piace, in genere, cambiare? Andare alla ricerca di nuove vocazioni professionali?

Diciamo che sono partita sempre dalla pittura, che è la cosa che amo di più in assoluto. Da qui discendono le mie varie esperienze creative. Sì, mi piace mettermi sempre in gioco e sfidarmi in continuazione, è il sale della vita.
Ritieni l’espressione artistica “una cosa assolutamente personale”. Ognuno, nell’arte, “può leggere ciò che per altri rimane celato”.

Cosa c’è alla radice di questo pensiero?

La libertà, penso che all’origine di questo mio pensiero ci sia questa idea. Ogni singolo individuo è libero di leggere nell’opera quello che più in quel momento gli sia dettato dal proprio vissuto, dalle sue emozioni, dall’istante stesso unico e irripetibile e dalla propria sensibilità, così variabile da persona a persona.

I tuoi quadri parlano anche di problematiche relative alla nostra società, al nostro tempo. In cosa pensi si manifesti “il lato nero”, come lo chiami, il lato più oscuro della nostra società? Come ti piace rappresentarlo?

Il “lato nero” di cui parlo è legato, non solo alla società, ma anche all’individuo stesso; ognuno di noi ha infatti un lato oscuro e, spesso, esso si manifesta attraverso il sogno: quando la parte conscia “allenta il controllo” e l’inconscio diventa il padrone della nostra mente. Nella società,  “il lato oscuro” è tutto quello che si può sintetizzare nel sopruso, nell’individualismo di chi porta avanti solo il proprio interesse personale. Quando devo rappresentare una tematica relativa a problematiche sociali, mi lascio trasportare dall’emotività del momento e la rappresentazione non ha un metodo e nasce spontanea.

Ricordi di aver assistito ad uno spettacolo teatrale che ti è rimasto impresso nella memoria?

Ho un ricordo del teatro che risale alla mia infanzia: quando, di passaggio, una compagnia teatrale diede uno spettacolo nel mio paese: era la prima rappresentazione a cui assistevo! Mi colpì come, a differenza di un film, si ha la sensazione di “essere dentro la scena” … quasi mi sentivo di spiare l’azione! Poi, con il tempo, ho assistito a molte rappresentazioni teatrali di attori anche molto famosi e bravi, ma ricordo ancora quella dell’infanzia come una rivelazione unica.

To fund their film “Music of the Hemispheres” they’ve put the project up on Kickstarter, and have currently raised just $3,788 of their $16,000 goal with just a week left to go.

In the film, da Prato and Lloyd will investigate modes of data visualization, music composition, performance, and audition. These systems will be “cracked open” and compared to the examination of brain mechanics and the architecture of mind.

Part diagram and part portrait, part love story and part instruction manual – Music of the Hemispheres is a feature-length, non-fiction film examining philosopher Dan Lloyd’s Music of Thought Hypothesis. Lloyd’s research takes patterns found in brain activity and converts them into musical score. These scores are not biofeedback or music cognition experiments, but rather extracting the ‘architecture of consciousness,’ as it occurs in the brain, and assigning its varying components musical tones. The results are musical scores meant to reflect brain activity itself.

“Is brain activity more like music than it is like language? Is it more music than noise? Are its musical properties different in different states of mind, and are they different for healthy brains in contrast with schizophrenia and other mental illnesses? Increasingly, it seems the answers to these questions is Yes.” – Dan Lloyd

Through this, Lloyd is working toward developing a new theory of mind; that consciousness operates within a musical structure.

The “music” generated through Lloyd’s work seems oddly familiar, and is surprisingly harmonious and musical. Now, should this theory be proven, the philosophical implications are both joyous and endless. The idea that we are, in fact, music.

Music of the Hemispheres will investigate modes of data visualization, music composition, performance, and audition; their respective systems will be cracked open and compared to the examination of brain mechanics and the architecture of mind.

The film will be instructional entertainment, hearkening back to the wild science films and shows that blew our minds open as kids: Carl Sagan’s Cosmos, 3-2-1 Contact, Mr. Wizard.

Director Elisa Da Prato aims to bring music to life through visual allegories, instructional segments, musical sequences, and of course interviews with leading, cutting-edge thinkers in the fields of cognitive neuroscience, philosophy of mind, music theory, and music composition.

“When I first came across Lloyd’s work, it blew my heart right open — it fully expressed the elegance and joy of the beauty of the material universe, from which human consciousness emerges and then channels back into music. I see this project as the ultimate love-letter to the massive network of conduits that has carried me through my life; music.” – Director Elisa Da Prato

MOTH is both film and experiment, pairing artists with scientists, commissioning new musical works, documenting emerging breakthroughs in Music Cognition and Theory – offering it up to you in the form of a visual autopsy of the harmony within, and the colossal choir that is humankind. To learn more about the film, visit the website : www.musicofthehemispheres.com

This project will only be funded if at least $16,000 is pledged by Wednesday Jan 25, 4:13pm EST. – you can pledge as little as $1 here

“In 1895, radio communication emanated for the first time from the workshop of Guglielmo Marconi; since then radio signals have propagated 115 light years in all directions, passing through several thousand star systems. If alien astronomers happen to detect Marconi’s first tentative broadcast, and the myriad following, what could they infer about its source?

The alien astronomers can carve up the radio signal many different ways… The example is fanciful, but analogous to a mystery signal that ripples through real (earthly) science every day: the magnetic resonance (MR) signal emitted by brains in scanners around the world.” – Excerpt from Dan Lloyd’s Mind as Music paper, which you can read here.

“Terapia Terapia” è un testo esilarante di Augusto e Toni Fornari che racconta il tema ormai troppo attuale di una coppia in crisi. Nonostante l’argomento, che ad una prima lettura può apparire scontato, i tre attori riescono a strappare sorrisi convincenti fin dalle prime battute. I protagonisti sono Ninì Serpiello e Lucia Montello, due coniugi che per risolvere i loro problemi si rivolgono ad un rinomato psicologo di coppia, il dott. Mauro Angeli, considerato un salva-coppie per l’alta percentuale di successi delle sue terapie, anche lui però in piena crisi matrimoniale.
Tra i tre nascono una serie di equivoci dovuti all’intrecciarsi dei problemi dei due sposi con quelli dell’analista e tra litigi, argomenti svelati e fobie, il testo affronta il dramma del matrimonio, delle cose non dette e delle incomprensioni in chiave comica, ma non superficiale. I tre bravi attori hanno fatto sorridere così tanto il pubblico di Barga che già da metà spettacolo anche loro non sono più riusciti a frenare le loro stesse risate, durante alcune battute ed a questo punto la loro simpatia è divenuta  più che mai contagiosa. Ma del resto è anche questo loro lato del carattere che li fa amare al grande pubblico della televisione e non solo agli appassionati di teatro.

Va tanto di moda buttare su un palcoscenico attori che siamo abituati a vedere in programmi comici televisivi e in fiction seguitissime per pubblicizzare il teatro, ma non è assolutamente detto che il risultato artistico sia sempre valido. In questo caso la Morozzi, Ferreri e Nobile sono attori che con la loro sapienza teatrale ci fanno capire che il teatro non si improvvisa soltanto, ma si conquista con adeguate formazioni.
Ho avuto la fortuna in passato di conoscere Daniela Morozzi, che ho rivisto e salutato con estremo piacere, durante alcune edizioni del Concorso “INBREVE”, rassegna di corti teatrali da lei organizzata e vi assicuro che è davvero così: simpatica e spumeggiante ed allo stesso tempo molto preparata e professionale in tutto ciò che concerne il suo lavoro.

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Attualmente è anche impegnata nell’associazione “La sordità non ha colore” che si propone di finanziare la costruzione e l’attrezzatura di un complesso socio-sanitario-educativo e professionale in grado di provvedere alla diagnosi, protesizzazione, abilitazione, scolarizzazione e formazione professionale dei bambini e giovani sordi della provincia di Boma, in Congo. Il progetto vuole sensibilizzare l’opinione pubblica, gli organi statali e internazionali sul dramma dei bambini sordi nei paesi poveri. Alla fine dello spettacolo i Barghigiani hanno accolto con sensibilità questa problematica acquistando in gran numero le magliette dell’associazione ed il libro alla cui stesura ha partecipato la stessa Morozzi dal titolo “Nascere sordi è un dramma….ma in alcuni paesi del mondo lo è ancora di più”.

Credo proprio che alla fine della serata il pubblico abbia apprezzato anche questo; quindi bravi, bravi, bravi.

L’intento è quello di far incontrare linguaggi espressivi diversi e di dar vita ad una nuova “agorà” per il pubblico del teatro, una piazza dove si possa fruire e discutere non solo lo spettacolo, ma anche di altre forme d’arte come la pittura, la scultura e la fotografia, l’arte digitale e la grafica.

Sono 15 gli artisti in mostra – alcuni già con una lunga esperienza alle spalle, altri emergenti – e da oggi, ogni settimana, ognuno di loro si racconterà attraverso questo spazio per parlare della propria storia e per far conoscere i presupposti della “sua” arte.

Prima che degli artisti però, la parola sarà di Arianna Ruggerone, giovane critica d’arte che ha ben descritto i motivi e gli intenti  di Arti Differenti nell’incontro di presentazione: “Sarebbe bello se si potesse andare in un luogo dove il confronto tra le Arti non fosse erroneamente associato ad un confronto tra diverse mentalità, ma semplicemente un trovarsi in uno spazio dove poter fruire di esperienze differenti, ognuna con una sua storia, un suo bagaglio e un suo segno da lasciare”

Arianna Ruggerone, novarese, hai solo 23 anni, ma hai già conseguito una Laurea triennale in Progettazione e Gestione di Eventi di Arte e Spettacolo ed hai alle spalle diverse esperienze lavorative importanti come organizzatrice d’eventi, curatrice di mostre, redattrice di saggi critici e di articoli che trattano di Arte. Raccontaci un’esperienza lavorativa che hai reputato altamente formativa.

Il mio primo colloquio di lavoro l’ho avuto con il gallerista milanese Enzo Cannaviello, un “mostro” nel campo in cui lavoro. Per me è stata un’occasione buttata al vento,  chance così non so se ricapitano e io non ero abbastanza preparata sia dal punto di vista dialettico e didattico, sia per esperienza sul campo. Oggi credo di avere un piccolo bagaglio in più rispetto a quel giorno di marzo, in cui appena laureata, incontrai Cannaviello: ho imparato a conoscere il mercato, a trattare con artisti e clienti e in questo l’esperienza diretta nella vendita è stata fondamentale.
Sì, tutto fa, anche le esperienze negative … e me le tengo strette! Cose che credevo non interessarmi mi hanno catturata totalmente, quindi ora mi guardo tanto in giro e cerco di non farmi più scappare occasioni del genere!

Hai vissuto per diversi anni in Toscana ed hai avuto modo di visitare Barga. Cosa ricordi di questa cittadina? Con il saggio critico della mostra “Arti Differenti” hai avuto l’occasione di studiare alcuni artisti rappresentativi del luogo. Come hai trovato questa indagine?

La Toscana è diventata parte della persona che sono oggi, non solo perché questa regione mi ha formata scolasticamente e artisticamente, ma soprattutto perché mi ha dato modo di confrontarmi con una moltitudine di persone, provenienti da tutta Italia, con formazioni diverse e  un bagaglio tutto da scoprire.
Appena trasferita, ho avuto modo di capire quanta attenzione al cittadino questa regione dedichi. Per me è stata una cosa straordinaria trovare nelle sue città e piccoli paesi tutti quei servizi che invece in Piemonte sono marginali, meno vari e più cari.
Anche Barga non fa eccezione: è dinamica, pronta a crescere e ad ampliare i suoi orizzonti e questa mostra assieme ai suoi artisti lo conferma.

Ti sei laureata discutendo una tesi sulla Collezione Guggenheim a Vercelli. Da che cosa è composta? Ci sono altre città italiane in cui possiamo ammirare pezzi della collezione di Peggy Guggenheim?

La Collezione Guggenheim a Vercelli è arrivata con le vesti di una mostra temporanea che si è rinnovata cambiando le sue opere, di anno in anno, per quattro anni consecutivi, usufruendo dei pezzi che venivano dal Guggenheim di NY e da quello di Venezia.
È stato un bellissimo progetto finanziato e sostenuto dalla regione Piemonte, perché lo spazio espositivo merita e, nonostante il cambio nelle politiche regionali, spero che riuscirà comunque a mantenere alto il livello delle mostre allestite nello spazio ristrutturato proprio per gli eventi Guggenheim. Non solo il Piemonte si è interessato alla figura della mecenate Peggy Guggenheim, a Lucca è attualmente in corso una mostra che raccoglie molte delle opere su carta appartenute alla newyorkese di adozione veneziana. La sua figura e gli artisti che la circondavano rispecchiano molto il mio personale gusto artistico, trovo che le sue scelte siano state sempre di altissimo livello ed è per me appagante vedere mostre che si basano sulle sue collezioni.

Hai avuto modo di studiare a New York la lingua inglese e l’arte contemporanea. Raccontaci con i tuoi occhi com’è vivere nella Grande Mela.

L’esperienza newyorkese è stata straordinaria, credevo di sentirmi spaesata invece questa città mi ha accolta e trasportata tra le sue bellezze culturali. Ho avuto finalmente la possibilità di confrontarmi con un’Arte che in Italia, non si sa come mai, si vede poco.
Finalmente ho potuto vedere (e rivedere), dal vivo opere di artisti riconosciuti, stimati e quotati che, per chi studia Arte Contemporanea, sono fondamentali. Anche gli spazi dedicati all’arte, inoltre, sono studiati per coinvolgere il visitatore in un percorso totalmente in linea con la città in cui si trova. Ero a NY sia quando c’è stato il terremoto sia quando è arrivato l’uragano Irene, quest’ultimo mi ha costretta a fermarmi qualche giorno in più e a riflettere sulla mia esperienza che stava giungendo al termine,  ed ho convenuto che nulla di ciò che viene esposto tra i Musei e le Gallerie è convenzionale e questo fatto mi rispecchia molto e ovviamente mi fa apprezzare parecchie delle cose che ho visto nella Grande Mela.

Oltre all’arte, quali sono le tue principali passioni?

Il lavoro che faccio mi rispecchia totalmente (oltre ad occupare la quasi totalità del mio tempo), non esistono festività o fine settimana totalmente liberi, ma credo che a ventitre anni vada bene così. Sto cercando la mia autonomia e la mia indipendenza tramite un settore dinamico quale quello dell’arte e degli eventi, il mio lavoro è la mia passione e sono davvero poche le cose che mi coinvolgano senza diventare prima o poi parte del mio esso.

The L’Associazione San Cristoforo in Lucca has today opened an extremely interesting exhibition featuring work from Marc Chagall.  Over 1oo etchings with the bible as their subject matter are set out in the San Cristoforo de-consecrated church but the real stars of the show are the 20 tiny oil paintings and mixed media from the hand of the Russian master painted from 1959 right through until 1982.

Marc Chagall was born in 1887 to a poor Jewish family in Russia. He was the eldest of nine children. Chagall began to display his artistic talent while studying at a secular Russian school, and despite his father’s disapproval, in 1907 he began studying art with Leon Bakst in St. Petersburg. It was at this time that his distinct style that we recognize today began to emerge. As his paintings began to center on images from his childhood, the focus that would guide his artistic motivation for the rest of his life came to fruition.

In 1910, Chagall, moved to Paris for four years. It was during this period that he painted some of his most famous paintings of the Jewish village, and developed the features that became recognizable trademarks of his art. Strong and bright colors began to portray the world in a dreamlike state. Fantasy, nostalgia, and religion began to fuse together to create otherworldly images.

In 1914, before the outbreak of World War I, Chagall held a one-man show in Berlin, exhibiting work dominated by Jewish images. During the war, he resided in Russia, and in 1917, endorsing the revolution, he was appointed Commissar for Fine Arts in Vitebsk and then director of the newly established Free Academy of Art. In 1922, Chagall left Russia, settling in France one year later. He lived there permanently except for the years 1941 – 1948 when, fleeing France during World War II, he resided in the United States. Chagall’s horror over the Nazi rise to power is expressed in works depicting Jewish martyrs and refugees.

In addition to images of the Jewish world, Chagall’s paintings are inspired by themes from the Bible. His fascination with the Bible culminated in a series of over 100 etchings illustrating the Bible, many of which incorporate elements from folklore and from religious life in Russia.

The exhibition will be on in the Chiesa San Cristoforo, via Fillungo,  Lucca until 11th March and is open from 10 in the morning until 7.30 in the evening (closed on Mondays) – 0583 957660 www.artscristoforlucca.com

Il progetto è stato ideato e curato da Lalla’s Join in collaborazione con Luciano Caprile e con la partecipazione di SEM-ART Gallery.

Promosso e organizzato dalla Associazione San Cristoforo.

A partire dal 7 Gennaio Lucca ospiterà nella suggestiva Chiesa di S.Cristoforo una mostra intitolata “Chagall’s Spiritual Universe” con l’esibizione di venti preziosi oli e tecniche miste su tela del maestro russo che spaziano dal 1959 al 1982. Si tratta di straordinari dipinti di piccolo formato che indagano un mondo interiore nutrito dei ricordi dell’infanzia trascorsa a Vitebsk e riversati nella leggerezza nostalgica de L’âne blanc dans le bouquet del 1960-1965 o nell’onirico Profil du peintre della sua ultima stagione, dove l’artista vola col pensiero al paese nativo.

Una particolare attenzione è rivolta all’amore che sboccia e si manifesta in un tenero abbraccio al contatto di un trionfo floreale ( Le bouquet jaune del 1975 circa ) o in una romantica cavalcata celeste alla conquista del sole ( Dans le ciel de Saint-Paul del 1980 circa ).

E non poteva mancare il circo in questa disamina della poetica chagalliana dove la realtà e la fantasia convivono insieme alla grazia dei movimenti e al ruolo della maschera che preserva l’innocenza. Da Le clown au visage bleu del 1980 circa a Le trapéziste del 1978-1980 si dipana un mondo a lui congeniale in cui intingere lo sguardo del desiderio.

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E quando Chagall si ritrae ne Le peintre au village del 1980-1982 lo fa non solo “en plein air” ma “en plein esprit” raffigurando se stesso al lavoro circondato dai luoghi e dagli elementi essenziali della sua poetica.

listen to ‘Chagall in lucca’ on Audioboo

The President of the Associazione San Cristoforo – Arturo Nardini speaking about the exhibition in Lucca this morning 

Le roi David, un’opera del 1980, ci permette infine di affrontare il tema della religione a lui particolarmente caro: ci riferiamo nell’occasione anche alle centocinque incisioni su rame dedicate alla Bibbia realizzate tra il 1931 e il 1939 che corredano una pubblicazione a tiratura limitata, concepita da Ambroise Vollard, firmata in colophon dall’autore stesso. L’intera sequenza di grafiche rivolte alle vicende narrate dalla Bibbia accompagnano e concludono degnamente questo omaggio a Chagall che si svolge a corredo delle festività natalizie

http://www.youtube.com/watch?v=hPbdf2my1W0

L’Associazione San Cristoforo
ARTE – FILOSOFIA – SCIENZA – SPIRITUALITA’
nasce a Lucca con il sostegno dell’Arcidiocesi nel dicembre 2010, con lo scopo di valorizzare il contributo che l’arte contemporanea, in tutte le sue forme, offre alla crescita spirituale degli uomini e delle donne del nostro tempo e di promuovere un fecondo dialogo e una reciproca interazione tra arte, filosofia e scienza. Tali scopi vengono perseguiti attraverso pubblicazioni, attività di studio, di ricerca scientifica e organizzazione di eventi e mostre in Italia e all’estero.

Stavolta il nuovo lavoro è apparso il 6 gennaio sui muri fatiscenti di un palazzo in via di Mezzo, di fronte all’ingresso di casa Cordati ed è stato proprio il responsabile della mostra permanente, Giordano Martinelli, ad inviarci le immagini del nuovo murales anonimo.

Come si vede dalle foto, è raffigurata, con lo stesso stile degli altri disegni già apparsi, una Befana atipica che, accompagnata dalla scritta “The toxic exhibition” e da un manifesto degli eventi della Befana 2012 a Barga, si è tagliata le vene.

Il messaggio è abbastanza criptico, al graffitaro l’esibizione della tradizione barghigiana della Befana non piace forse, oppure voleva dire qualcosa di diverso? Mah?! Quello che ci appare più probabile in verità sembra  un richiamo nei confronti dell’Amministrazione Comunale.

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Vi ricordate infatti come era finita la vicenda a settembre? Il sindaco Marco Bonini aveva invitato gli autori a non continuare, garantendo l’impegno dell’Amministrazione Comunale nell’individuare spazi adeguati ad ospitare questo tipo di espressione.

“Stiamo cercando di individuare degli spazi sul territorio comunale – diceva il sindaco – da mettere a disposizione della creatività artistica di tutti, di quanti sentono il bisogno di esprimersi in questo modo”.

Perché dunque il graffitaro misterioso è tornato a colpire? Forse perché da settembre di questo fatto e delle iniziative decise dal comune non se ne è più parlato. Sembrerebbe proprio una specie di promemoria indirizzato ai nostri Amministratori.

Sembra però più “delicata” l’iniziativa dell’autore, visto che stavolta non è stata utilizzata la classica colla vinilica, più difficile da togliere. Già stamattina una parte del murales era stata staccata dalla forza del vento di ieri, ma al di sotto non è rimasto nessun segno.

Tony Phillips, who is all set to exhibit his illustrations at the Punjab Kala Bhawan, India says he likes to comment on society through his work
When a foreign artist chooses India as his muse, what can the end result be? Malnourished children begging on the road, a sun-burnt skeletal figure pulling a rickshaw in some traffic-congested area or opium smoking, long-haired sadhus at Kumbh Mela. So when Tony Phillips, who is all set to exhibit his illustrations at Punjab Kala Bhawan under the aegis of Punjab Lalit Kala Akademi’s Beyond Boundaries programme, told us that he had made some comments on the Indian society, especially Delhi, through his paintings and drawings, we half expected to see those set images.

A close look at his frames and we do see those familiar images, but the sting of ‘in-the-face’ kind of reality has been somewhat taken off, thanks to his soothing colour palette and powerful lines. Along with the rhythm of life that Tony found in places like Connaught Place, Chandni Chowk and Pahar Ganj, he has successfully captured the transitional phase that Indian society seems to be going through. So, images like a huge hole in the ground right in the middle of Connaught Place with the cult sign of Mcdonald at the backdrop, rag-pickers getting on with their life with the towering minarets of Jama Masjid for an anchor, the spiritual and commercial connect of the people living on the street are visually appealing and mentally stimulating.

The inspiration for his Delhi series may come from different corners of the city, but the connecting thread for most of his paintings remain the same — an overpowering presence of naked electric cables, which originates at the ground level and spirals up to anywhere, everywhere. Tony uses this wire mash as a metaphor for the entanglement of life in modern India, which is exciting and dismaying at the same time.

Tony, the UK-born and Italy-based artist, is not seeing India through the eye of a first-timer. For he has known India for a while now, ever since he came to Punjab in 1995 leading a group of young artists under Shropshire (UK)  Punjab Exchange Programme.

Though, essentially a sculpturist by education and landscape artist by profession, illustration is also an important part of Tony’s artistic entity now. “Drawing is a good medium to make a comment on society and I love to capture the changing trends of society, people’s struggling at different levels to go along with those changes as well as their weaknesses and failures,” says Toni.

Tony uses pen and wash technique to execute his ideas — strong focused lines to tell his story and water colour background for that added drama. “Lines play an important part in the whole saga as it gives rhythm to a drawing. The rest comes from layering of colours,” he explains. Tony’s odyssey with India, however, does not stop at this series only.

The artist who is also know for his larger than life installations and relief-sculpted panels is planning to paint the essence of Delhi on a huge canvas, which he wants to display along with similar frames on New York and London.

“India is a country to look out for when it comes to socio-economic development,” he says as his parting shot. But what makes us curious is the choice of metaphor he will use to explain his developmental theory. Well, only time will tell!

- source – Parbina Rashid – tribuneindia.com

For a number of years, the Daily Images of the barganews award winning photographer O’Connor who has been busily snapping images on a daily basis and publishing them on this site over the past decade and more have also been showing on a monitor in the barganews office.

They are on a slide show which runs in the window 24 hours a day, 7 days a week BUT the images are only on screen for a few seconds before the next one arrives, when that too is replaced by another. The speed at which they change is set fast because it fits closer to his idea that to get a good overall view of just what life is like in Barga you need a series of images and not just one set up, perfect image.

Unfortunately this means that if you like an image and want to see it again, you have to wait for it to come round again. Hence the waiting.

So, as we are coming up to the end of the year, how about a little experiment for the giornaledibarganews readers? All of the Daily Images from O’Connor from the start of the year until today, all in quick succession and compacted into less than 4 minutes.

http://www.youtube.com/watch?v=tZwwYdgAraA

Ogni giorno Keane sceglie una foto tra tutte quelle scattate nelle ventiquattro ore e la consacra “immagine del giorno” pubblicandola sulla pagina Daily Images di giornaledibarganews.com

Un particolare, un panorama, un volto, un’azione raccontano cosa accade a Barga giorno per giorno, durante l’anno; i più affezionati sanno anche che tutte le immagini scorrono continuamente su un monitor nella biblioteca di Barganews in Piazza Angelio e che ad ogni ora è possibile rivedere come in un flusso quello che l’obiettivo di Keane ha catturato durante la giornata e nei giorni precedenti.

Ma perché non comprimere 365 giorni di scatti fotografici in un unico documento, una sorta di cortometraggio per immagini che racconti le stagioni, gli eventi, le persone che durante l’anno hanno attraversato Barga?

Questo è quello che deve aver pensato Keane, che in questi giorni ha confezionato un video che in appena quattro minuti contiene tutto quello che serve per ripercorrere la quotidianità dell’anno appena trascorso.
Vedere per credere…

2° Classificato: Vaso di Pandora di Stefano Tommasi

3° Classificato: Vaso di Pandora di Andrea Caproni Verde Natura

I vincitori potranno passare in negozio a ritirare il premio. Ringraziamo tutti i partecipanti, è stata una esperienza bellissima, di condivisione, con passione ed entusiasmo ci avete regalato un pezzetto della vostra creatività. Un’esperimento da ripetere al più presto!! GRAZIE!! Le opere in finale sono esposte in negozio, Piazza Angelio, Barga. Venite a trovarci!

Abbiamo deciso di premiare i nostri fan più creativi che si cimenteranno sul tema il “Vaso di Pandora”. Dovete solo inviarci una foto scattata da voi, ispirata al “Vaso di Pandora.” Le opere verranno inserita nell’album “concorso fotografico Vaso di Pandora 2011” sulla pagina ufficiale del nostro negozio (la trovate qui), dove potranno essere votate. Le fotografie che si distingueranno per numero di “mi piace” passeranno alla fase finale del concorso e saranno esposte presso il Vaso di Pandora Concept Store. Saranno premiate tre opere tra le finaliste.

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Primo premio: DIANA DELUXE KIT
Secondo premio: SPROCKET ROCKET
Terzo premio: SARDINA

All images sent in for this competition can be seen here